Dans le hall d’un bâtiment gouvernemental de Washington DC, art et politique identitaire

Il n’est pas surprenant de trouver des politiques identitaires dans les galeries de Washington. Les musées, les organisations régionales à but non lucratif et autres centres artistiques se sont précipités pour offrir un meilleur accès aux artistes issus de groupes sous-représentés, en particulier aux institutions qui, autrefois, ignoraient entièrement la race ou la classe sociale. Les conservateurs intelligents placent cet effort au premier plan aujourd’hui. Les organisations de tout le pays font le même changement. DC n’est pas différent.

Mais une chose est surprenante dans la politique identitaire dans l’art de Washington : les expositions les plus bruyantes peuvent être découvertes en visitant les institutions locales les plus établies.

Un exemple est « Re/envisioning », une exposition collective qui prend le pouls de l’actualité. Organisée par Nicole Dowd et Allison Nance, l'exposition rassemble les œuvres de six artistes liés par un souci d'identité – non seulement affirmant la leur, mais remettant en question les systèmes rigides qui pourraient les définir comme autres. Il n'y a pas de fil conducteur commun dans l'histoire ou dans le médium, mais un courant sous-jacent de mécontentement radical imprègne ce spectacle à l'esprit académique. Curieusement, il est visible dans le hall d’un bâtiment gouvernemental de Washington DC.

L’œuvre de Fargo Nissim Tbakhi est la plus directement politique. Dans une vidéo, « La Palestine est un futurisme » (2022), un artiste chante des phrases qui apparaissent à l’écran au-dessus d’une installation textile. « Le sel marin est un internationalisme », « La faim est un néocolonialisme », « Le cactus est un marxisme » et d’autres propositions à la fois urgentes et mystiques sont chantées presque comme des hymnes.

Les œuvres de Tbakhi suggèrent plus de philosophie que d'art. Ces phrases sont des variations surréalistes d’un dispositif rhétorique connu sous le nom de kritik. Dans le débat ou en philosophie, une kritik est une tactique visant à remettre en question l'état d'esprit d'une croyance basée sur une théorie critique des structures sociales. Une critique marxiste, néocolonialiste ou transféministe fonctionne comme un outil pour bouleverser les paramètres normaux d’un débat, pour pousser un opposant à affirmer ou à rejeter ces théories critiques. L'œuvre de Tbakhi – à la fois la vidéo et l'installation de ses poèmes – est tissée de cette didactique.

Une partie du travail de « Re/envisioning » s'appuie tellement sur la pratique sociale que l'artisanat exposé peut sembler une réflexion secondaire. « What Is Something You Always Wish I Asked and Knew About You » d'Adele Yiseol Kenworthy (2023) présente des bouquets de fleurs aux côtés de clichés de famille dont les personnages ont été découpés. Le sentiment de nostalgie familiale dans ces collages est palpable. Pourtant, l’artiste a également présenté ses compositions florales comme un acte de protestation politique ou d’action collective. C'est une tout autre notion, qui donne l'impression que les collages de « Re/envisioning » sont arbitraires.

Les projets d'Antonio McAfee et Stephanie J. Williams brillent dans « Re/envisioning ». La série « Through the Layers » de McAfee (2017-2019) transforme des portraits photographiques de personnages noirs de l'ère de la Reconstruction, tirés de collections d'archives rassemblées par l'auteur WEB Du Bois et le journaliste Thomas Calloway, en collages 3D stéréoscopiques. L’effet visuel intentionnellement imparfait du rouge et du cyan rend difficile la visualisation réelle de ces portraits, même en portant des lunettes 3D – une expression puissante d’un thème de l’invisibilité qui traverse les portraits noirs. Les animations en stop-motion obsédantes de Williams se révèlent également ambiguës. « Hospes » (2022) découvre une collection de marionnettes vermifuges et inadaptées piégées dans un cercle de portes qui ne cessent de se fermer devant elles. Un spectateur peut reconnaître le titre comme la racine latine du mot hospitalité, mais cette information n'est pas nécessaire pour comprendre la vidéo. Son travail fait ressentir profondément au spectateur l’horreur corporelle étouffante d’être mal perçu.

Tout le texte mural de « Re/envisioning » empêche les œuvres de parler d’elles-mêmes, même lorsque leur sens est clair – ou, plus important encore, lorsque les possibilités sont nombreuses. « Sonic Fracture » (2023) est une pièce d'une série de performances en cours de Stephanie Mercedes dans laquelle l'artiste fait fondre des douilles de balles et des pistolets dans une fonderie et refond le métal pour en faire de simples cloches. Il s'agit d'un projet de l'épée au soc, résonant et accessible, qui aboutit à de petites sculptures minimalistes imparfaites. Son travail évoque Richard Serra et Lynda Benglis, artistes qui ont révolutionné les sculptures moulées en jetant et en versant des matériaux en fusion ; plus littéralement, ces cloches témoignent du bilan de la violence armée dans le district.